ARTS PLASTIQUES

Commencez. C'est gratuit
ou s'inscrire avec votre adresse courriel
Rocket clouds
ARTS PLASTIQUES par Mind Map: ARTS PLASTIQUES

1. RODIN

1.1. En s'appuyant sur des œuvres, des démarches et des processus significatifs de l'œuvre d'Auguste Rodin, l'objectif est de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur « l'espace du sensible ». Il s'agit d'articuler cette approche précise à l'apport d'autres références dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est « faire œuvre ».

1.2. Imprégné des références esthétiques qui lui sont contemporaines, Auguste Rodin en dépasse régulièrement les normes, questionnant nombre de conventions et de canons de la statuaire. Les grandes commandes dont il bénéficie dans le domaine de la sculpture publique témoignent des liens que l'artiste entretient avec la société dans laquelle il vit : les monuments qui en sont issus, en prenant leurs distances avec une rhétorique propre à l'époque, suscitent controverses et polémiques, mais ils apportent à Rodin le soutien et l'intérêt d'un cercle artistique convaincu.

1.3. Par une perpétuelle interrogation de l'univers des signes, Auguste Rodin sert l'idée d'une création toujours en mouvement, jamais interrompue, jamais achevée. Fidèle à la « Nature », le sculpteur perçoit les « vérités intérieures sous les apparences ». Entretenant une relation singulière aux processus artistiques, tirant parti des langages plastiques et des matériaux, il élargit les répertoires formels de la sculpture et renouvelle le travail de l'atelier. Les ruptures plastiques et les gestes artistiques qu'il affirme élaborent un nouvel espace sensible. Ce faisant, il invente une autre économie de l'œuvre sculptée, d'une saisissante modernité.

1.4. Une sélection d'œuvres emblématiques d'Auguste Rodin sera opérée par chaque enseignant, afin de les mettre en relation en tenant compte de leurs dimensions formelles, techniques, symboliques et sémantiques, à partir des repères ci-après indiqués, sans pour autant devoir s'y limiter :

1.5. les fondements et transformations du rapport de Rodin à la sculpture : références à l'antique, aux cathédrales, à Michel-Ange ; question du mouvement ; problématique du socle ; statut du matériau et matérialité de l'œuvre ; traitement de la lumière ; possibilité du non fini ;

1.6. l'expérimentation au cœur du processus de création : prise en compte du hasard et de l'accident, fragmentation, assemblage, réutilisation, recombinaison, changement d'échelle, répertoire de formes ;

1.7. les temps et lieux de la fabrique de l'œuvre : techniques de la sculpture, organisation matérielle des ateliers, liens avec les assistants, relations avec les modèles, usages du dessin et de la photographie ;

1.8. les grands ensembles sculptés : commande publique, langages et dispositifs plastiques de l'échelle monumentale, conditions de réception, dialogue avec l'environnement et le spectateur.

2. ÉPREUVE

2.1. 1. Identification : il s'agit d'expliquer ce qui est mis sous vos yeux et de faire la fiche d'identité de l'œuvre.

2.2. Quel est le document présenté? La reproduction d'une œuvre en couleur sur papier ou sur une diapositive? L'ai-le déjà vue? En reproduction ou de vrai ? Celle-ci me paraît-elle fidèle à l'original?

2.3. Quelle est la nature de l'œuvre représentée? Peinture - Sculpture - Assemblage – Installation - Dessin - Collage … œuvre composite?

2.3.1. Est-elle présentée en totalité ou partiellement? Dans quel environnement ? Comporte-t-elle un cadre?

2.4. Quelles indications sont-elles fournies? (Légende) :

2.5. L'auteur – Le titre (il doit toujours être souligné) – La date de réalisation – Le format – La technique et le support (exemple: peinture à l'huile sur toile, sculpture en bronze, dessin au fusain sur papier, etc...) – Le genre (exemple: nature morte, portrait, paysage, scène de bataille, œuvre abstraite, etc...)

2.6. 2. Description: il faut être le plus précis possible, comme s'il s'agissait de décrire l'œuvre à quelqu'un qui ne la voit pas. On ne décrira pas de la même façon une œuvre en deux dimensions (peinture, dessin ou photographie) qu'une œuvre en trois dimensions (sculpture, installation).

2.7. Le sujet: quel est le sujet général de l'œuvre?

2.8. L'espace: le cadrage ou point de vue( gros plan, plan large, plongée, contre-plongée, etc...) Est-ce un espace réaliste (perspective)? La place des éléments dans l'espace? (à droite, à gauche, au premier plan, en arrière plan....) Y a-t-il des lignes directrices qui attirent l'attention sur un élément de l'œuvre? (ligne de fuite, gestes des personnages...)

2.9. Les couleurs: quelles sont les couleurs principales? Y a-t-il des correspondances? (teintes claires ou foncés, couleurs chaudes, ou froides...) Que mettent-elles en valeurs? Quel sentiment traduisent-elles?

2.10. La lumière: lumière naturelle ou artificielle? D'où vient-elle? Est-ce qu'un élément est plus éclairé? Y a-t-il des ombres, des contrastes?

2.11. L'expression du ou des personnages: si l'œuvre montre des personnages, il faut décrire leur posture et les expressions des visages.

2.12. Le traitement plastique: en peinture (touche, aplats, modelé, modulations, etc...), la gestualité apparente ou non, en dessin (cerne, estompe, esquisse, etc...), en photographie (photographie argentique ou numérique, grain, pixel)

2.13. Le rapport avec le spectateur: à qui s'adresse l'œuvre? Quelle est la place du spectateur devant l'œuvre? Que ressent-il face ou dans à l'œuvre?

2.14. L'espace et le point de vue: Par définition une œuvre tridimensionnelle à une multiplicité d'angles de vue. Lorsqu'on l'étudie, on se base sur une ou plusieurs photographies qui ne vont nous montrer qu'un aspect limité de l'œuvre. Il faudra témoigner de cela et essayer de décrire même ce que l'on voit pas sur le document. Comment l'œuvre est montrée? L'œuvre est-elle montrée dans un espace spécifique, in situ, intégrée à un monument ou l'ornant, sur un fond neutre? Y a-t-il un socle?

2.15. S'il s'agit d'une œuvre en 3D:

2.16. La couleur et la lumière: La couleur d'une sculpture ou d'une installation dépend beaucoup de son matériau ou de sa texture et de l'environnement dans lequel elle est perçue. Il faudra étudier ces interactions.

2.17. La place du spectateur: est primordiale. Ces œuvres appartiennent à l'espace réel dans lequel le spectateur se déplace et peut agir. Le spectateur peut-il tourner autour, entrer à l'intérieur, avoir une action sur l'œuvre? L'œuvre a-t-elle une influence directe sur sa perception ou ses émotions?

2.18. 3. Interprétation: à partir de vos observations, il s'agit de deviner ce que l'artiste a voulu exprimer.

2.19. Le message de l'œuvre: pourquoi l'artiste a-t-il fait cette œuvre? Quelles informations nous apporte-elle? Ce que vous avez remarqué dans la description doit vous permettre de faire des hypothèses. Une œuvre d'art n'est jamais gratuite et tous les choix formels ont un sens. Vous pouvez aussi questionner le titre de l'œuvre et son rapport avec l'œuvre.

2.20. L'œuvre dans la carrière de l'artiste et dans l'histoire des arts: il s'agit de montrer que l'œuvre s'inscrit dans un contexte plus général et qu'elle nous amène à nous poser des questions. Quelles sont les idées de l'artiste? Fait-il parti d'un courant artistique connu? Y a-t-il d'autres œuvres qui parlent du même sujet? Est-ce que l'œuvre peut être reliée à une thématique historique, sociale ou artistique importante?

3. DUCHAMP

3.1. Peintre, plasticien et homme de lettres, Marcel Duchamp, transgresse très vite les coutumes et conceptions académiques, bouleverse l'art du XXe siècle et ouvre la voie aux démarches artistiques les plus audacieuses. Par son invention du ready-made il confirme sa théorie de l'art comme art mental et s'inscrit ainsi dans la lignée des artistes dont le goût pour les questions d'esthétique aboutira, dès 1970, à l'art conceptuel. Il est ainsi l'initiateur de nombreux courants artistiques de la seconde moitié du XXe siècle. Son influence sera déterminante et son œuvre inévitable à la compréhension de l'art dans notre société contemporaine.

4. AI WEIWEI/OROZCO/MHARTHINE TAYOU

4.1. trois artistes contemporains non occidentaux

4.2. En s'appuyant sur des œuvres de ces trois artistes, l'objectif est de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur « l'œuvre, le monde » en focalisant sur « la tension entre la dimension locale et mondiale de l'œuvre [...] » (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O. spécial n° 9 du 30 septembre 2010). Il s'agit d'articuler cette approche précise à l'apport d'autres références dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est « faire œuvre ».

4.3. Ai Weiwei, Gabriel Orozco et Pascale Marthine Tayou sont trois artistes non occidentaux. Circulant dans le monde, ils tirent parti des cultures, des lieux, des matériaux, des contextes, des arts de faire et de leurs possibles paradoxes. Ils en manipulent et confrontent à dessein les dimensions universelles et les stéréotypes, les natures savantes et populaires, les enracinements et les bouleversements. Ce sont les espaces d'élaboration et d'expérimentation de leurs démarches. La diversité caractérise leurs créations : pluralité des codes culturels et des symboles saisis, variété des domaines artistiques associés, multiplicité des techniques et des technologies sollicitées.

4.4. À l'instar de nombre de leurs contemporains, ils provoquent des mutations dans les processus artistiques, qu'ils enrichissent de l'interculturalité. Ils proposent des hybridations entre des formes d'expression artistique ou des métissages entre des cultures locales et globalisées. Ils utilisent des médiums variés (dessin, peinture, photographie, vidéo, sculpture...) dans différentes situations (expositions, installations, in situ, réalisations monumentales, architecture, utilisation de réseaux sociaux...).

4.5. Une sélection d'œuvres emblématiques de ces trois artistes pourra être opérée par chaque enseignant, afin de les mettre en relation en tenant compte de leurs dimensions formelles, techniques, symboliques et sémantiques, à partir des repères indiqués ci-après, sans pour autant devoir s'y limiter :

4.6. exploitation artistique d'un lieu et de ses matériaux (physiques ou culturels) et adaptation d'une démarche de création à l'observation d'un environnement, d'une société ou d'une culture ;

4.7. dépassement dans la pratique artistique des catégories en art et des possibles stéréotypes culturels (attendus folkloriques locaux, partis pris identitaires, ambiguïtés projetées sur le primitivisme, etc.) ;

4.8. rencontre et combinaison, recherche de dialogues et de réciprocités, entre des pratiques artistiques ou des éléments culturels enracinés localement et des notions d'art s'exerçant dans de vastes régions du monde (Afrique, Amériques, Asie, Europe, etc.) ;

4.9. interrogation de modèles ou de canons artistiques hérités de dominations d'États, de sociétés, de valeurs ou de références culturelles sur d'autres ;

4.10. élargissement des conceptions de l'œuvre et de l'artiste pour témoigner du monde dans sa globalisation et pour y agir en exerçant la liberté de création ;