1.1. Se deben anticipar los movimientos para guiar la mirada del espectador y anunciar lo que va a pasar.
2. 4: Acción directa & Pose a Pose
2.1. En la acción directa creamos una acción continua, paso a paso, hasta concluir en una acción impredecible. En la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave.
3. 6: Slow In & Slow Out
3.1. Se trata de acelerar el centro de la acción, y ralentizar el principio y el final de la misma.
4. 8: Acción secundaria
4.1. Consiste en pequeños movimientos que complementan a la acción principal y, de hecho son consecuencia de ella. La acción secundaria nunca debe estar más marcada que la acción principal
5. 10: Exageración
5.1. Acentuar una acción, generalmente ayuda a hacerla más creíble.
6. 12: Apariencia
6.1. Se trata de proporcionar conexión emocional con el espectador. La forma de ser del personaje debe ser coherente con su forma de moverse.
7. 1: Squash & Stretch
7.1. La deformación de los cuerpos, como si fueran flexibles
8. 3: Puesta en Escena
8.1. Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes.
9. 5: Acción continuada & superposición
9.1. Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En la acción continuada, el personaje aún sigue moviéndose después de la acción principal. En la acción superpuesta, se mezclan movimientos múltiples que influyen en la posición del personaje.
10. 7: Arcos
10.1. Se trata de acelerar el centro de la acción, y ralentizar el principio y el final de la misma.
11. 9: Timing & Spacing
11.1. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción, o las interrupciones y dudas en los movimientos definen la acción. También contribuye a dar idea del peso del modelo, y las escalas o tamaños.
12. 11: Dibujos Sólidos
12.1. Tener en cuenta el peso, la profundidad y el equilibrio simplificarán, además, posibles complicaciones posteriores en la producción debido a personajes pobremente modelados.
