1. La fotografía digital es la vertiente más recientemente inventada, que saca provecho a las tecnologías que trajo consigo la Revolución informática de finales del siglo XX. Permitió entre otras cosas la supresión del rollo fotográfico y de toda forma de revelado químico, guardando las imágenes directamente en formato electrónico o computarizado.
2. TIPOS DE CAMARAS
2.1. CAMARAS DIGITALES COMPACTAS
2.1.1. Son las más sencillas y manejables de las cámaras digitales. Destacan por su pequeño tamaño y su fácil e intuitivo manejo, pues prácticamente todas las funciones están automatizadas. También es importante destacar la facilidad y rapidez de su uso, ya que solo con encender y darle al botón de disparo valdrá para capturar la foto. Este tipo de cámaras suelen usarla personas no profesionales o no tan apasionadas por el mundo de la fotografía, o también personas no muy familiarizadas con las nuevas tecnologías.
2.2. CAMARAS BRIDGE
2.2.1. son un paso intermedio entre las cámaras compactas y las DSLR. Aunque también presenta funciones automatizadas, los objetivos y sensores son superiores a los ofrecidos por las cámaras compactas, por lo que ofrecen una calidad bastante superior en las imágenes tomadas. No suelen utilizarse en ámbitos profesionales, aunque sí para usuarios que buscan calidad en las fotos.
2.3. CAMARAS REFLEX
2.3.1. uno de los más utilizados en todo el mundo. Estas cámaras digitales destacan por todas las opciones que ofrece al usuario, pues además de presentar un modo automático, presenta un modo manual para casi todas sus funciones (enfoque, Iso, balance de blancos…) y objetivos intercambiables, lo que permite al fotógrafo experimentar y conseguir fotografías muy artísticas y profesionales. Es utilizada habitualmente por profesionales y apasionados de la fotografía, que buscan más el aspecto artístico que capturar momentos más cotidianos. Hoy en día existen infinidad de modelos y marcas, aunque las más destacadas sean SONY, CANON y NIKON, divididas en diferentes gamas de calidad y precio. Prácticamente todas las cámaras DSLR presentan una alta calidad en sus fotografías y muchos modelos también tienen la opción de grabación de video.
2.4. CAMARAS DE MEDIO FORMATO
2.4.1. presentan unos sensores mucho mayores que en las cámaras DSLR, lo que permite una calidad muchísimo mayor en las imágenes con una ampliación mucho mayor. Es utilizado fundamentalmente en el ámbito profesional, ya que para aficionados supone un coste demasiado elevado.
2.5. CAMARAS DE ACCIÓN
2.5.1. cada vez son más utilizadas por la gente. Destacan por su pequeño tamaño y los múltiples usos que se les pueden dar. Normalmente no suelen tener pantalla y apenas suelen tener botones, lo que le da un uso muy fácil y ágil. Presentan un solo objetivo gran angular que, unido a su diminuto tamaño, es utilizado especialmente para tomar fotos y grabar videos en momentos de acción; aunque también se utiliza para sacar planos más difíciles y concretos que con otros tipos de cámara no se pueden lograr. Este tipo de cámaras se suelen poder adaptar a muchos complementos, como carcasas acuáticas, cascos, chalecos, etc… las cuales las hace únicas y muy útiles. Suelen presentar una alta definición y calidad y todas pueden tomar fotos y grabar videos.
2.6. CAMARAS INSTANTANEAS
2.6.1. destacan por llevar incorporado en ellas un mecanismo de impresión y revelado instantáneo que hace que en apenas 5 minutos tengas en papel fotográfico la fotografía realizada. Tienen un objetivo único y prácticamente todas las funciones automatizadas. Las fotografías reveladas suelen tener una calidad bastante decente. A pesar de la gran ventaja de la impresión instantánea, esta cámara también presenta algunas desventajas, como la compra del papel por separado, lo que supone cierto coste económico cada vez que tengamos que recargarla, y con ello, un número de intentos limitados para obtener la fotografía deseada.
3. CONCEPTOS TECNICOS
3.1. EXPOSICIÓN
3.1.1. Es la cantidad de luz que recibe el sensor de imagen para poder formar la fotografía. Hablando en términos más técnicos, la exposición puede medirse como combinación del tiempo y del nivel de iluminación recibido. El primer concepto viene controlado por la velocidad de obturación, mientras que el nivel de iluminación lo hace por la apertura del objetivo.
3.2. APERTURA
3.2.1. Los objetivos de las cámaras usan el conocido diafragma, que controla la cantidad de luz que recibe el sensor de la cámara. Pensemos en la apertura del diafragma como el ancho de un tubo por el que pasa la luz, medida en la variable llamada número f. Como es lógico, cuanto más ancho sea el tubo mayor cantidad de luz pasará a través de él y menos tiempo necesitará el diafragma estar abierto.
3.3. SENCIBILIDAD ISO
3.3.1. La sensibilidad de una cámara se mide de acuerdo al estándar ISO, cuyos valores típicos son 100, 200, 400, 800 y 1600, logrando en cada salto el doble de sensibilidad. Este concepto básicamente consiste en cómo la cámara interactúa con la luz, midiendo la cantidad de luz que ésta absorbe.
3.4. VELOCIDAD DE OPTURACIÓN
3.4.1. La velocidad de obturación expresa el tiempo durante el que el obturador de la cámara está abierto. Su valor suele oscilar entre los 30 segundos y los 1/8000 de segundo. Este concepto suele usarse, sobre todo, para recoger el movimiento en las imágenes. Así, con esta técnica podremos congelar el movimiento, mostrar u ocultar elementos en las imágenes, realizar barridos e incluso aprovechar la luz para añadir elementos interesantes a las imágenes.
3.5. PROFUNDIDAD DE CAMPO
3.5.1. Es el rango de la imagen que aparecerá más definida y con mayor grado de detalle. Es aquella área de la imagen que se muestra con más nitidez y variará en función de la fotografía que se esté realizando. Por ejemplo, si lo que queremos es fotografiar un insecto la profundidad de campo será menor, mientras que esta variable aumentará en un paisaje.
3.6. ENCUADRE
3.6.1. un encuadre que convertirá una realidad de tres dimensiones en una de dos. Existen diferentes formatos de encuadre. Debemos escoger si queremos que nuestras fotografías sean cuadradas, panorámicas o bien; 2:3, 4:3, etc. Dependiendo del tamaño escogido tendremos que tener en cuenta que tendrá una serie de implicaciones en el resultado final.
3.7. EQUILIBRIO
3.7.1. Dentro de una fotografía, nos referimos a como se reparten los elementos que la componen dentro del encuadre. Nosotros podemos escoger si queremos que nuestra fotografía esté equilibrada o desequilibrada dependiendo del propósito que busquemos. El equilibrio también puede ser simétrico y estático, o bien dinámico.
3.8. CONTRASTE
3.8.1. es la manera como un color en referencia a los colores que hay alrededor. Usamos el contraste en las imágenes para destacar elementos o cualidades. Existen muchas formas de conseguir contrastes en nuestras fotografías, como por ejemplo los contrastes de enfoque, de textura e incluso de conceptos. Un ejemplo fácil es pensar en un objeto oscuro. Si lo fotografiamos sobre un fondo también oscuro, como no hay nada que sobresalga no se percibirá la forma que tiene el objeto. En cambio, si fotografiamos ese objeto oscuro sobre un fondo claro, gracias al contraste que hay entre las dos tonalidades, apreciaremos perfectamente la forma que tiene.
3.9. PESO VISUAL
3.9.1. es la capacidad o habilidad que tiene un elemento gráfico de una composición de atraer la mirada del espectador. Cuando algo tiene mucho peso visual, la atención que recaerá sobre ese elemento será mayor. En el sentido contrario, cuando algo tiene muy poco peso visual, nos referimos al hecho de que los espectadores no detectan ese elemento en la fotografía a primera vista
3.9.1.1. 1. El Tamaño. 2. La Distribución. 3. La Forma. 4. El Color.
3.10. FONDOS
3.10.1. La síntesis de la imagen. Es importante presentar una idea de forma clara y comprensible. Un fondo uniforme y contrastante con el objeto tema nos ayudará a resaltarlo. Un fondo abarrotado de elementos hará que lo que queremos destacar se pierda. No es necesario que el fondo sea un pleno de color, es decir, puede haber otros elementos, pero siempre debería haber una clara diferenciación del objeto tema.
3.10.2. Fondos resaltados o difusos. Algo muy utilizado cuando queremos resaltar nuestro objeto es difuminar el fondo, o sea, hacer que se vea borroso.
3.11. COLOR E ILUMINACIÓN
3.11.1. El color posee cualidades que nos ayudarán a la hora de transmitir una idea o mensaje. Junto con la iluminación y la combinación de luces y sombras, se convierten en elementos compositivos muy importantes para el lenguaje visual. Es interesante que conozcas las cualidades de la luz para poder sacarle provecho a la hora de utilizarla como factor compositivo.
3.12. RITMO
3.12.1. se apoya en el movimiento que realizan nuestros ojos para leer una imagen. Es decir, el ritmo marca el recorrido que debe seguir nuestra mirada a lo largo de una composición, y que habitualmente está presentado con formas gráficas.
3.13. FORMAS
3.13.1. En fotografía existen una serie de formas que nos ayudan a guiar a nuestros ojos por el recorrido que deben seguir para leerla. Son varios los elementos gráficos simples que nos ayudarán a guiar la mirada, por ejemplo, contamos con:
3.13.1.1. Puntos
3.13.1.2. lineas
3.13.1.3. Regla del triangulo
3.13.1.4. Rectangulos y circulos
3.14. PERSPECTIVA
3.14.1. claves para dominar la fotografía es saber cómo la perspectiva afecta a la imagen. La perspectiva nos ayuda a crear una sensación tridimensional en una fotografía. Y hay 4 elementos a tener en cuenta: el espacio, el tiempo, la luz y cómo se relacionan ellos entre sí, frente a ti. La perspectiva es fundamental para transmitir la sensación de profundidad y distancia en una fotografía y su control te será esencial, para lograr buenas tomas.
4. La historia de la fotografía es el recuento de las invenciones, hallazgos científicos y perfeccionamientos técnicos que permitieron al ser humano capturar por vez primera una imagen sobre una superficie fotosensible, empleando para ello la luz y ciertos elementos químicos que reaccionan con ella.
5. La historia de la fotografía abarca desde el siglo XIX al XX, pero tiene muchos antecedentes en épocas anteriores. Es una de las tecnologías más revolucionarias que el hombre ha desarrollado. Su impacto se ha hecho sentir en las ciencias, las artes (incluso creando una nueva) y en la documentación histórica. Además dio origen a tecnologías posteriores, como el cine, entre otras.
6. La palabra fotografía proviene de los vocablos griegos phos (“luz”) y graphos (“escrito” o “grabado”), de modo que se trata de una escritura con luz o una grabación hecha con luz.
7. La idea de capturar imágenes y preservarlas ha acompañado al ser humano desde épocas antiguas. Es el fundamento de la aparición de la pintura, la escultura y, más adelante, la fotografía. Hubo intentos antiguos por conseguir capturar una imagen de forma automática, sobre todo mediante el principio de la cámara oscura, que es el mismo de las cámaras fotográficas.
8. Durante el siglo XIX se intentó obtener fotografías a color. La primera fue obtenida por James Clerk Maxwell en 1861, a través de la toma de tres fotografías consecutivas con un filtro rojo, azul y verde cada una, para luego superponerlas en una proyección y obtener los colores deseados. Sin embargo, no hubo forma de fijar los colores a la foto y generalmente las fotografías del siglo XIX y principios del XX eran coloreadas a mano, usando acuarelas, óleos u otros pigmentos.
9. En 1920 el inventor y fotógrafo alemán Oskar Barnack introdujo al mercado la cámara Leica, que empleaba un nuevo formato de película: el 35 milímetros, conocido también como formato Leica o formato Barnack. Este formato revolucionó la industria fílmica y del cine. Consistió en una película pequeña, del formato 135 de 35 milímetros de ancho, con una relación de aspecto de 3:2 y un tamaño en la diagonal de unos 43mm. Pensado inicialmente para el cine, abarató enormemente los costos de fabricación de las cámaras y permitió su popularización, naciendo así los fotógrafos aficionados.
10. HISTORIA
10.1. El primer procedimiento fotográfico o heliográfico fue inventado por Niépce hacia 1824. Las imágenes eran obtenidas con betún de Judea, extendido sobre una placa de plata, luego de un tiempo de exposición de varios días.
10.2. En 1829, Niépce asocia a Louis Jacques Mandé Daguerre en sus investigaciones.
10.3. En 1832, ponen a punto, a partir del residuo de la destilación de la esencia de lavanda, un segundo procedimiento que produce imágenes con un tiempo de exposición de un día entero.
10.3.1. Niépce muere en 1833. Daguerre continúa trabajando solo e inventa, en 1838, el daguerrotipo, primer procedimiento que comprende una etapa de revelado. Una placa de plata recubierta de una fina capa de ioduro de plata era expuesta en la cámara oscura y luego sometida a la acción de vapores de mercurio que provocaban la aparición de la imagen latente invisible, formada en el curso de la exposición a la luz.
10.3.2. Este revelado consistía en una gran amplificación del efecto de la luz, con lo cual el tiempo de exposición no pasaba de los 30 minutos. El fijado era obtenido por inmersión en agua, saturada de sales marinas.
10.4. En julio de 1839, otro francés, Hippolyte Bayard, descubre el medio de obtener imágenes positivas directamente sobre papel. Un papel recubierto de cloruro de plata era oscurecido a la luz y luego expuesto en la cámara oscura después de haber sido impregnado en Ioduro de plata. El tiempo de exposición era de treinta minutos a dos horas.
10.4.1. Siempre en 1839, el anuncio del invento del daguerrotipo incitó al inglés William Henry Fox Talbot a retomar las investigaciones interrumpidas cuyos comienzos remontaban a 1834. En 1841, patentó el calotipo, primer procedimiento negativo/positivo que permitía la multiplicación de una misma imagen gracias a la obtención de un negativo intermediario sobre un papel al cloruro de plata, vuelto translúcido gracias a la cera. Como con el daguerrotipo, la imagen latente era revelada luego, por medio de un producto químico, el revelador: una solución de ácido gálico y de nitrato de plata. Una segunda hoja de papel recubierta también de cloruro de plata era mas tarde expuesta a través del negativo translúcido, para dar el positivo final.
10.5. En 1839 se le debe a John Herschell el descubrimiento del medio para fijar las imágenes, sumergiéndolas en un baño de hiposulfito de sodio, el mismo componente esencial de los fijadores fotográficos actuales. Las ventajas del calotipo reposaban principalmente en la facilidad de la manipulación de las copias sobre papel y de la posibilidad de reproducción múltiple. En revancha, la definición , limitada por la presencia de las fibras del papel negativo, no podía rivalizar con el daguerrotipo.
10.5.1. Para reducir aún más el tiempo de exposición, se crearon objetivos de focales cortas, mas luminosos, por lo tanto, conservando la nitidez en toda la imagen. En 1841, el físico Fizeau reemplazó el ioduro de plata por el bromuro de plata cuya sensibilidad a la luz es muy superior. Nada más que algunos segundos de exposición eran suficientes para obtener un daguerrotipo. Entonces tomar retratos se volvía posible.
10.6. Para reducir aún más el tiempo de exposición, se crearon objetivos de focales cortas, mas luminosos, por lo tanto, conservando la nitidez en toda la imagen. En 1841, el físico Fizeau reemplazó el ioduro de plata por el bromuro de plata cuya sensibilidad a la luz es muy superior. Nada más que algunos segundos de exposición eran suficientes para obtener un daguerrotipo. Entonces tomar retratos se volvía posible.
10.6.1. En 1851, el inglés Scott Archer reemplazó la albúmina por el colodión cuya base es el algodón pólvora. Las imágenes blanco y negro obtenidas por este procedimiento alcanzaron una calidad nunca más obtenida. Con el inconveniente, de que la toma debía tener lugar mientras que la placa estaba aún húmeda y que el revelado debía efectuarse inmediatamente después.
10.7. En 1871, otro británico, Richard Meaddox, remedió ese problema reemplazando al Colodión por la gelatina, procedimiento perfeccionado por Charles Bennet quien demostró que las placas gelatinizadas adquirían una gran sensibilidad cuando uno las mantenía durante varios días a 32° C. Las placas al gelatino-bromuro no solo podían ser almacenadas antes de usarse, sino que su sensibilidad era tal, que la exposición no excedía de la fracción de segundo.
10.8. Por esa razón, poco antes de 1880, comienza la historia del obturador, porque la alta sensibilidad de las placas necesitaba de la concepción de mecanismos capaces de dejar entrar la luz en la cámara durante solo un centésimo y aún un milésimo de segundo. Debía evaluarse precisamente la intensidad de la luz y así el fotómetro se convirtió en un verdadero instrumento de medida.
10.8.1. Le faltaba todavía a la fotografía, la reproducción de los colores. Las primeras tentativas fueron la iniciativa de Edmond Becquerel en 1848, luego la de Niépce de Saint Victor, en 1851, quienes demostraron que una placa de plata recubierta de cloruro de plata puro reproducía directamente los colores, aunque de manera inestable.
10.8.2. En 1869, Louis Ducos du Hauron logra, en Agen, la primera fotografía en colores aplicando el principio demostrado por Maxwell de la descomposición de la luz por intermedio de los tres colores fundamentales, el rojo, el amarillo y el azul. Este realizó tres fotografías de un mismo tema, a través de un filtro respectivamente rojo, azul y amarillo. De estos obtuvo tres positivos del mismo color de cada uno de los filtros utilizados. Superponiendo exactamente las tres imágenes, obtuvo la restitución de los colores.
10.9. El físico Gabriel Lippman recibió el Premio Nobel en 1906, por haber descubierto en 1891, el medio de obtener fotografías directamente en colores sobre una misma placa, por medio de un procedimiento interferencial que ya prefiguraba la holografía. Demasiado compleja, esta invención no trascendió el estadio del laboratorio.
10.10. El primer procedimiento mono placa color que pudo ser utilizado por aficionados nació en 1906. El autocromo inventado por los hermanos Lumière retomaba el principio de la síntesis de tricromía lograda esta vez en un sola placa por medio del añadido de un mosaico de micro filtros de tres colores realizado gracias a granos de fécula de papa.
10.11. El descubrimiento del revelador cromógeno por R. Fisher desde 1911, ofreció a la fotografía en color una nueva dirección. Se había observado que algunos reveladores producían imágenes con un color dominante en lugar de un blanco y negro neutros.
10.11.1. El principio tri cromo fue retomado por la Empresa Agfa para poner a punto en 1936, las películas Agfacolor, constituidas de tres capas superpuestas sensibles respectivamente al azul, verde y rojo. Fue puesto a punto un revelador que coloreaba las capas según el color de su sensibilidad. Así, la posibilidad de reproducir los colores produjo mejoras en las ópticas, para transmitir fielmente en la película, los colores del objeto.
10.11.2. En 1935 dos americanos L. Mannès y L. Godowsky mejoraron el procedimiento. Comprado por Kodak, tomó el nombre de Kodachrome. Aunque nuestras películas color actuales sean muy sofisticadas, no impide que tengan que acudir siempre al bromuro de plata, a la gelatina así como al principio de base del Agfacolor y del Kodachrome.
11. TIPOS DE FOTOS
11.1. FOTOGRAFIA PERIODISTICA
11.1.1. El fotoperiodismo es un género dentro del periodismo como tal que está directamente relacionado con la fotografía, el diseño gráfico y el vídeo. Se ha desarrollado sobre todo en los conflictos bélicos de distintas partes del mundo y ha sido vital para registrar la historia de acontecimientos como la Guerra Civil Española. Cabe destacar a Jacob Riis, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson.
11.2. FOTOGRAFIA AEREA
11.2.1. La fotografía aérea permite realizar fotografías a gran altura, dando lugar a imágenes increíbles de lugares como nunca antes las habrías visto de no ser por este tipo de fotografía. Desde comienzo del siglo XXI la fotografía aérea ha experimentado una evolución notoria gracias a la llegada de los drones y la fotografía con drones. Dentro de la fotografía aérea podemos destacar la fotografía orbital, es decir, fotografías del espacio a través de satélites en órbita en torno a la Tierra.
11.3. FOTOGRAFÍA SUBMARINA
11.3.1. Dentro de los fotógrafos documentales de naturaleza, también destacan los fotógrafos de la naturaleza submarina. La fotografía submarina va ligada al buceo, también se puede realizar sin botella a una profundidad menor o incluso con snorkel, pero los resultados no serán los mismos. Es un tipo de fotografía bastante costoso, por un lado debido a la práctica de submarinismo para llevarla a cabo y por otro la compra del material fotográfico. Algo a tener en cuenta en la fotografía submarina es el color dependiendo de la inmersión: a 3 metros el rojo es pardo, los naranjas son amarillos y a partir de 15 metros todo es azul.
11.4. FOTOGRAFÍA NOCTURNA
11.4.1. Es una técnica muy recurrente. Los momentos idóneos para realizar este tipo de fotografía son el anochecer y el amanecer.
11.5. FOTOGRAFÍA ASTRONÓMICA
11.5.1. Se divide en dos campos: fotografía planetaria y fotografía de cielo profundo. En la fotografía planetaria, lo que se fotografía se encuentra dentro de nuestro Sistema Solar, mientras que en la de cielo profundo se fotografían objetos más allá de nuestro Sistema Solar (nebulosas, cúmulos estelares, supernovas…)
11.6. FOTOGRAFÍA CIENTÍFICA
11.6.1. Este tipo de fotografía se encarga de inmortalizar experimentos, representar información científica ajena al ojo humano que sin la fotografía científica no podría apreciar. Se vale de diferentes técnicas como la fotografía ultravioleta, la infrarroja, las imágenes térmicas o los rayos X. Otros instrumentos, como los microscopios electrónicos están equipados con mecanismos para tomar fotos o con adaptadores que permiten el empleo de una cámara normal.
11.7. FOTOMACROGRAFÍA
11.7.1. podemos acercarnos tanto a los objetos y sujetos cotidianos que descubriremos multitud de detalles ajenos a nosotros hasta el momento en el que tomamos la foto. Consiste en tomar fotos de los objetos acercándose tanto que el tamaño del objeto en la película o en el sensor sea igual o superior al que tenga en la vida real. Podremos realizar este tipo de fotografía con el sensor macro.
11.8. FOTO GASTRONÓMICA
11.8.1. en su mayoría, es utilizada por restaurantes o influencers que quieren dar a conocer algún plato que les pareció exquisito o ser parte patrocinadora de un restaurante. Una recomendación es que este tipo de imágenes se capturen sin flash, solo con luz natural, pues el flash resalta partes que no se ven tan bien para el ojo público.
11.9. FOTOGRAFÍA A BLANCO Y NEGRO
11.9.1. a menudo es utilizada por periodistas y profesionales, y sigue siendo una de las formas preferidas del arte monocromático. Si bien la toma puede ser nueva, la foto en color es un desarrollo mucho más reciente. Quizás esta es la razón por la cual las imágenes en blanco y negro se usan (y a menudo son ideales) para crear un cierto sentido de atemporalidad.
11.10. FOTOGRAFÍA ARTISTICA
11.10.1. Surge a mediados del siglo XIX. El lenguaje artístico fotográfico parte básicamente de la herencia de la pintura. La fotografía artística tiene un carácter muy subjetivo y la manipulación de las imágenes se ha convertido en algo indispensable para la expresión artística. Podemos destacar en este tipo de fotografía a Annie Leibovitz, Helmut Newton o David LaChapelle.
11.11. FOTOGRAFÍA PUBLICITARIA
11.11.1. Es uno de los tipos de fotografía más conocidos. Busca ser una imagen atractiva para el consumidor, siendo influyente en las ideas tanto políticas como sociales de la gente. Empezó a formar parte de la publicidad a partir de 1920 y desde entonces se ha convertido en un elemento clave.
11.12. FOTOGRAFÍA DE MODA
11.12.1. Con el paso del tiempo, ha desarrollado su propia estética donde en la imagen no prima solo la ropa, sino el maquillaje, el peinado, los accesorios y escenarios elegidos por el fotógrafo para crear una fotografía única. La fotografía de moda apareció por primera vez en publicaciones francesas como La Mode Practique. Tras la muerte de Richard Avedon, Irving Penn o Helmut Newton.
11.13. FOTOGRAFIA DOCUMENTAL
11.13.1. Se busca registrar e informar de distintos aspectos de la vida, formas y condiciones. Constituye una evidencia de la realidad. Este tipo de fotografía no se limita solo a los humanos, sino que puede tratar también sobre animales, naturaleza… Nace en los años 80-90 con Jacob Risk y Lewis W. Hine.
11.14. FOTOGRAFIA RETRATO
11.14.1. El retrato fotográfico busca captar la esencia, la apariencia y los rasgos más característicos de la persona fotografiada. La fotografía de retrato surge casi a la vez que la invención de las cámaras, siendo un método muy accesible y barato para plasmar la imagen de una persona, como ya se hizo con la pintura de retrato. Existen variantes dentro de la fotografía de retrato donde pueden cambiar los planos (plano detalle, plano medio, primer plano, primerísimo primer plano y la luz.
11.15. FOTOGRAFÍA DE PAISAJES
11.15.1. Apareció por primera vez en 1826 con Nicéphore Niépce y es una de las modalidades más complicadas. Para poder realizar una buena fotografía de paisaje en la que todos los elementos destaquen por igual, hay que hacer uso de varios objetivos distintos como el gran angular o el teleobjetivo y hay que tener en cuenta muchos elementos como la luz, la hora del día, el foco de atención…
12. CARACTERISTICAS Y NECESIDADES DE UN FOTOGRAFO
12.1. conocimiento, visión, curiosidad, creatividad, imaginación, correr riesgos, pasión, recursos, optimismo, comunicación, persistencia, estilo propio,
12.2. LENGUAJE VISUAL
12.2.1. La manera en que nos expresamos en la fotografía no es mediante palabras, sino imágenes. Comunicamos un mensaje o una emoción por nuestras fotografías y este modo de comunicación se le llama lenguaje visual. En el lenguaje visual encontraremos una gran cantidad de componentes que nos ayudarán a aportarle sentido y significado a nuestras fotografías.
12.2.1.1. "Darle a tu fotografía un significado".