Dibujo a través de la historia

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Dibujo a través de la historia por Mind Map: Dibujo a través de la historia

1. Fundamentos:

1.1. A principios del siglo la tendencia es el Neoclasicismo, que propone una belleza ideal y el culto a la antigüedad clásica, el racionalismo y el predominio de la línea. El Romanticismo, que promueve, en oposición al anterior, la pasión, lo irracional, lo imaginario, la exaltación, el color y el culto a la Edad Media y las mitologías de la Europa del Norte.

2. Prehistoria

2.1. Características:

2.1.1. Desde la prehistoria los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en abrigos, covachas y el interior de cuevas

2.2. Fundamentos:

2.2.1. Desde la prehistoria los primeros hombres utilizaron el dibujo como una forma de comunicación, por medio de figuras de tamaño reducido, ubicados en abrigos, covachas y el interior de cuevas

2.3. Aplicaciones:

2.3.1. Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en ellas no solo se intentaba representar la realidad que le rodeaba, animales, astros, al propio ser humano, entre otros., sino también sensaciones, como la alegría de las danzas, o la tensión de las cacerías.

2.4. Materiales, herramientas y técnica

2.4.1. Las pinturas rupestres son más o menos homogéneas en cuanto a su temática. Las provenientes del Paleolítico exhiben por lo general dibujos de animales y líneas. En el Neolítico empiezan a aparecer las figuras humanas, las huellas en negativo de manos humanas y otras representaciones del entorno, como hojas, etc.

2.5. Aportaciones

2.5.1. Son dibujos pre figurativos, a veces con alto nivel de detalle y otras veces abstractos, de figuras naturalistas, generalmente bisontes u otras criaturas de caza. La importancia de estos hallazgos radica en lo que nos revelan sobre la mentalidad del ser humano primitivo en representación de sus costumbres, sus angustias y sus deseos.

3. Egipcios

3.1. Fundamentos:

3.1.1. El arte no tenía una finalidad meramente estética, sino más bien funcional, estaba relacionado con el culto a los dioses y debía favorecer el tránsito al Más Allá.

3.2. Características:

3.2.1. Existen dos grandes tipos de esculturas egipcias: las de bulto redondo o exentas, y el bajorrelieve y relieve en hueco.

3.3. Aplicaciones:

3.3.1. El dibujo fue un componente esencial en el arte del Antiguo Egipto, el punto de partida para el desarrollo de otras técnicas artísticas como la pintura, el relieve, la escultura de bulto redondo, las artes decorativas y la arquitectura.

3.4. Materiales, herramientas y técnica

3.4.1. Técnicas y Herramientas: Las imponentes esculturas egipcias que hoy podemos admirar salieron de talleres artesanales dotados de herramientas básicas y toscas. El arte egipcio tiende al gigantismo, es decir, muchos de sus edificios y esculturas son de dimensiones colosales. La pintura y la escultura en relieve empleada en templos y tumbas, unido al empleo de abundantes jeroglíficos ha permitido conocer con gran detalle la historia del Antiguo Egipto. Materiales y Paleta de Colores: Los materiales usados fueron básicamente piedras duraderas sacadas de canteras cercanas al Nilo, destacando el granito (de colores rojo y negro), el basalto negro y la caliza. También encontramos piedras semipreciosas, como lapislázuli y alabastro, y para esculturas de poco tamaño, madera y marfil.

3.5. Aportaciones

3.5.1. Además de la estatuaria real, también encontramos una escultura un poco más "vulgar", que representa al resto de la corte egipcia: altos funcionarios, escribas, sacerdotes, etc. Son esculturas bastante más realistas, con los rasgos propios de la persona, realizadas en piedra y madera policromada.

4. Griegos

4.1. Fundamentos:

4.1.1. Todo empezó por el período llamado Prehelénico, se utilizaban la esencia de guerra, héroes, escenas de Dioses y representaciones de la vida cotidiana tales como dibujos en murales, cerámica y otras superficies como papeles, lienzos entre otros.

4.2. Características:

4.2.1. En la Antigua Grecia la pintura se usó abundantemente en la decoración de las obras arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias…. También se pintaban los ropajes y el cabello de las esculturas, sin embargo, las pinturas más valoradas fueron aquellas pintadas en tabla.

4.3. Aplicaciones:

4.3.1. Los griegos instituyeron el principio de la consideración racional del hombre y de la naturaleza, en la que encuentran la razón que explica la experiencia sensorial de la estética en el arte griego.

4.4. Materiales, herramientas y técnica

4.4.1. Materiales y Paleta de Color: Las superficies más empleadas por lo tanto en la pintura griega fueron los muros, las tablas de madera y las losas de terracota o mármol. Con menos frecuencia también se emplearon marfil, cuero, pergamino y lino, sin embargo, se cree que el soporte más popular fue la tabla de madera con una base de pintura blanca. La paleta de colores de los artistas griegos contaba con los colores rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón. Sin embargo, la pintura sobre cerámica se verá limitada principalmente al uso de cuatro pigmentos capaces de soportar las altas temperaturas del horno y sus combinaciones (rojo, amarillo, blanco y negro), lo cual ha hecho pensar que la paleta de los pintores griegos era mucho más limitada. Técnicas y Herramientas: En cuanto a las técnicas pictóricas, se usaron principalmente sobre las tablas, losas y esculturas de madera y mármol la pintura al temple y la encáustica, y sobre los muros la pintura al fresco y, de nuevo, al temple.

4.5. Aportaciones

4.5.1. Grecia es una de las civilizaciones más reconocidas en el ámbito artístico, está presente en todos los rincones ya que desde la antigüedad el arte griego ha marcado un referente que ha durado hasta la actualidad.

5. Romanos

5.1. Fundamentos:

5.1.1. Se sabe desde hace mucho que los romanos siempre han admirado a la antigua Grecia y de ahí también surgió su arte. En este caso la historia del dibujo en Roma antigua tiene mucho que ver con la antigua Grecia.

5.2. Características:

5.2.1. Se plasmaba una idea concreta de las figuras humanas.

5.2.2. En las siluetas de sus retratos, se trazaba muy gruesa y de color negro o rojo.

5.2.3. Los colores que se utilizaban eran planos y sin mezclarlos.

5.2.4. Figuras sin movimientos, se representaban hieráticas.

5.2.5. Las pinturas carecían de profundidad, no tenían perspectivas.

5.2.6. Aparecían muchas de las figuras agrupadas.

5.2.7. Pinturas antinaturales, es decir llenas de misticismo.

5.2.8. Anatomías no apropiadas.

5.3. Aplicaciones:

5.3.1. En este período se utilizaban la esencia de guerra, héroes, escenas de Dioses y representaciones de la vida cotidiana.

5.4. Materiales, herramientas y técnica

5.4.1. Entre las técnicas y materiales de las pinturas romanas que se realizaban tenemos: Técnica del Fresco La primera técnica se le denominaba Arricio a la primera técnica que era de mayor espesor, tenía cal, arena de río y agua. La segunda técnica se le denominaba intonaco, era la mezcla más fina, y se formaba con polvo de mármol, también con cal y agua y en esta se le iban aplicando los pigmentos, en cuanto estuviera todavía húmeda. Técnica al Temple El temple es una técnica y los materiales de las pinturas romanas que se utilizaban era alguna tabla, que también tuviera yeso, el Temple de huevo, consistía en ser una de las formas más común de su uso, se realizaba con la yema del huevo, lo demás del huevo se descartaban, se tomaba la yema y se perforaba para que saliera el líquido que tuviera, se realizaba la mezcla con la pintura y se ajustaba el balance este la grasa y el agua, al secarse la pintura, se le añade más agua para que tenga la consistencia y así se equilibrara lo espeso de la yema. Técnica encausto Se trata de una técnica que se caracterizaba principalmente por el uso de la cera, de manera aglutinante de los pigmentos, esta contiene efectos que cubren y es algo densa y cremosa, esta técnica se aplicaba con pinceles y una espátula con alta temperatura. Los materiales que se utilizaban en la Pintura Romana, eran la cal, que se colocaba sobre capas para los murales, y después se pulía. El estuco que era mármol que estaba hecho polvo, estos se mezclaban con la cal y se adherían a la pared. Esta técnica de murales, se hacían dentro de las casas romanas, que se inspiraron desde la tectónica griega, o sea en dividir los muros el tres partes.

5.5. Aportaciones

5.5.1. El arte romano, se extendió, como su imperio, a lo largo y ancho del perímetro del Mar Mediterráneo, siendo uno de los principales exponentes de la avanzada civilización romana.

6. Edad Media

6.1. Fundamentos:

6.1.1. La Baja Edad Media fascina a mucha gente por su arte, del que se conserva una enorme cantidad de muestras. Como todo arte, el arte medieval fue la expresión de la mentalidad de aquella época. Sin embargo, la sociedad medieval sufrió muchos cambios entre el siglo XI, XIII y el siglo XIV. Estos cambios se manifestaron en el arte, originando dos estilos diferentes: el románico y el gótico.

6.2. Características:

6.2.1. Es un arte simbólico. Todo transmitía un mensaje, así por ejemplo las iglesias románicas tienen planta de Cruz latina, recordando la Cruz en la que murió Cristo; los ángeles se representan como personajes con cabellos largos, bellos rostros y grandes alas, los demonios con figuras grotescas y terroríficas.

6.3. Aplicaciones:

6.3.1. En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para representar sobre pergaminos temas religiosos a modo de explicación o alegoría de las historias escritas, privando así lo simbólico sobre lo realista, incluso las proporciones y cánones de la época.

6.4. Materiales, herramientas y técnica

6.4.1. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios.

6.5. Aportaciones

6.5.1. Fue expresiva y realista, manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco modeladas, este estilo casi desaparece por completo de las catedrales, puesto que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a miniaturas de libros, tapices y retablos

7. Renacimiento

7.1. Fundamentos:

7.1.1. El Dibujo Renacentista buscaba efectos pictóricos realistas a través de la representación de formas fragmentadas, luces, sombras, y una concentración en la atmósfera sobre detalles precisos.

7.2. Características:

7.2.1. Imitación del arte clásico grecorromano en todas las disciplinas

7.2.2. Simetría, equilibrio y proporción

7.2.3. Percepción del arte como forma de conocimiento

7.2.4. Estudio de la naturaleza

7.2.5. Separación del arte y la artesanía

7.2.6. Cambio de la función social del arte

7.3. Aplicaciones:

7.3.1. El estudio de la fisionomía humana y el arte fueron dos temas integrados por los artistas de la época. Dicha integración generó como resultado el estudio de las figuras de los modelos vivientes en un diseño resumido de figuras geométricas y estructuras.

7.4. Materiales, herramientas y técnica

7.4.1. Los materiales más comúnmente utilizados por los artistas de la época eran la tiza, la tinta, el carboncillo, las gredas y pergamino o papel de colores como el azul, el marrón y el rosa.

7.4.2. Utilización de tabletas de madera borrables con una capa de hueso molido mezclado con saliva, pergamino (vitela) hecho de piel de cabra/cerdo/ternera empapada en cal, papel a menudo teñido, lino y lienzo.

7.4.3. Los instrumentos de dibujo renacentista como lápiz, punta de metal y bolígrafo generalmente se clasificaban como medios de línea fina. Por otro lado, están los medios de línea ancha como el carbón y las tizas. Un dibujo renacentista de tiza generalmente se ejecutaba con tizas negras o rojas. Los dibujos al carbón también eran bastante comunes, sin embargo, han sobrevivido menos, ya que el carbón es demasiado fácil de borrar.

7.5. Aportaciones

7.5.1. Durante el renacimiento, por primera vez en la historia de la pintura europea, el dibujo fue visto como una forma de arte valiosa en sí misma. El desarrollo de saberes como la geometría, la perspectiva, la proporción, la composición y el claroscuro hicieron del dibujo renacentista una herramienta basta y rica.

8. Siglo XIX

8.1. Características:

8.1.1. Sus características fundamentales son la tendencia a lo fantástico, la exaltación del yo y el cultivo de los sentimientos nacionalistas combinados con los nuevos ideales de libertad heredados de la Revolución Francesa.

8.2. Aplicaciones:

8.2.1. Una de los primeros acercamientos fue a través de los cursos impartidos por maestros que se anunciaban en los periódicos. La mayor parte de ellos eran artistas extranjeros que se ofrecían como retratistas, pero que encontraron en la enseñanza del dibujo una manera de subsistencia.

8.3. Materiales, herramientas y técnica

8.3.1. La más importante durante el siglo XIX es la litografía, basada en la utilización de una piedra porosa como plancha de impresión. Las cualidades de esas piedras permiten dibujar directamente sobre ellas, ya que absorben la grasa de la tinta o del lápiz. Una vez realizado el dibujo, se humedece la piedra (la grasa repele el agua en las zonas que han sido dibujadas), y a continuación se entinta (quedando la tinta fijada únicamente en la zona dibujada y no humedecida).

8.4. Aportaciones

8.4.1. Sus características fundamentales son la tendencia a lo fantástico, la exaltación del yo y el cultivo de los sentimientos nacionalistas combinados con los nuevos ideales de libertad heredados de la Revolución Francesa.

9. Siglo XX

9.1. Fundamentos:

9.1.1. El dibujo deja de ser un mediador, se convierte en obra de arte singular y autónoma y desde entonces nunca ha dejado de serlo.

9.2. Características:

9.2.1. Mediante un intento de ordenación intelectual de la naturaleza; esta tendencia arrancará de Cezanne y pretende representar las cosas como son, no como se ven, dará lugar al:

9.2.2. Fovismo

9.2.3. Expresionismo

9.2.4. Cubismo

9.2.5. Futurismo

9.2.6. Abstracción lírica

9.2.7. Rayonismo

9.2.8. Constructivismo

9.2.9. Suprematismo

9.2.10. Dadaísmo

9.2.11. Neoplasticismo o De Stijl

9.2.12. Bauhaus

9.2.13. Surrealismo

9.2.14. Muralismo mexicano

9.2.15. Art déco

9.2.16. Expresionismo abstracto

9.2.17. Arte pop

9.2.18. Arte cinético

9.2.19. Arte óptico

9.2.20. Happening y performance

9.2.21. Arte conceptual

9.2.22. Arte povera

9.2.23. Land art

9.2.24. Hiperrealismo

9.2.25. Minimalismo

9.2.26. Arte urbano

9.3. Aplicaciones:

9.3.1. La pintura del siglo XX se caracterizó por la aparición de los movimientos “ismos”. El fauvismo es uno de ellos, representó una reacción en contra del impresionismo apostando por el color y el objeto, que los pintores de final de siglo habían reducido a tonalidades luminosas.

9.4. Materiales, herramientas y técnica

9.4.1. En Occidente, la pintura al fresco, que alcanzó su mayor grado de desarrollo a finales de la edad media y durante el renacimiento, se basa en la aplicación de pintura sobre yeso fresco o seco. Otra variedad antigua es la pintura al temple, que consiste en aplicar pigmentos en polvo mezclados con yema de huevo sobre una superficie preparada, que suele ser un lienzo sobre tabla, otras técnicas de pintura son el esmalte, la encáustica, el guache, la grisalla y la acuarela.

9.5. Aportaciones

9.5.1. El arte del Siglo XX se ve fuertemente influenciado por política y social del momento. Es un arte que no escapa a la realidad, sino todo lo contrario, brota de ella, como una forma de catarsis.

10. Actualidad

10.1. Fundamentos:

10.1.1. El dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los objetos reales, cuando hay cosas que las palabras no pueden explicar se dice que es mejor dibujar.

10.2. Características:

10.2.1. Los materiales y métodos del dibujo son las herramientas más básicas del artista y del diseñador. El trabajo que se pretende ejecutar en casi cualquier material, pintura, piedra, acero o tela, puede ser previsto primero en un dibujo. Sin embargo, este carácter básico de las habilidades de dibujo puede tender a trivializar lo que puede ser un arte altamente desarrollado por derecho propio.

10.3. Aplicaciones:

10.3.1. Actualmente, al dibujo se le atribuyen diversas identidades en función de su particularidad operativa: diseño, gráfico, forma, figura, esquema, imagen, etc. pero, en base a esto, donde realmente se le reconoce y muestra su capacidad informativa y expresiva, es en el propio proceso de ideación o creación; es ésta la fase donde comparte, con mayor asiduidad, la experiencia creativa con las diferentes disciplinas artísticas.

10.4. Materiales, herramientas y técnica

10.4.1. Materiales y Herramientas:

10.4.2. Lápices de dibujo de calidad

10.4.3. El libro de bocetos

10.4.4. Superficies de dibujo de calidad

10.4.5. Variedad de borradores

10.4.6. Un buen sacapuntas

10.4.7. Carbón o Conté

10.4.8. Plumas de dibujo / Tinta

10.4.9. Mezcla de tocones

10.4.10. Lápices de color de calidad

10.4.11. Almacenamiento de Obras de Arte / Portafolio

10.4.12. Técnicas:

10.4.13. Principales técnicas tradicionales del dibujo artístico

10.4.14. Dibujo a lápiz

10.4.15. Dibujo sepia

10.4.16. Dibujo a sanguina

10.4.17. Dibujo a tinta

10.4.18. Principales técnicas modernas del dibujo artístico

10.4.19. Dibujo a lápiz de tinta

10.4.20. Dibujo a rotulador o marcado

10.4.21. Dibujo en aerógrafo

10.4.22. Dibujo en tablas digitalizadoras

10.5. Aportaciones

10.5.1. En primer lugar, debemos reconocer la importancia y la notable presencia que ostenta el dibujo, actualmente, como medio de expresión y representación, así como, unidad pedagógica trascendente en la enseñanza artística. El dibujo, ha sido, es y será siempre el origen mismo de la actividad artística. Es, por ello, que se encuentra integrado en la propia raíz de casi todas las demás artes visuales.